Michelangelo Merisi, dit Caravage, est né en 1571 dans un village près de Milan, ayant sans doute grandi dans une atmosphère très religieuse avec un frère et un oncl e prêtres.
Avant lui, Raphael et Michel-Ange, contemporain de Shakespeare ; après lui, Rembrandt et de La Tour, Caravage sonne la fin de la Renaissance.
Le génie terrible
Enfant bagarreur de caractère ombrageux et au naturel anticonformiste, tempérament impétueux, imprévisible et sanguin, c’est un homme en colère.
Les maniéristes, peintres de son époque, sont les peintres de l’Art sacré, pr écisément ceux qui lui ont appris l’Arte di maniera, le maniérisme. Ce style de la fin de la Renaissance représente des sujets bibliques et antiques en sublimant de manière artificielle et idéalisée.
Auprès des maniéristes, il apprend à exécuter les natures mortes et les portraits.
Quand la moitié de sa famille meurt de la peste, il quitte sa Lombardie natale et déménage à Rome vers 20 ans vers 1592-1593.
Le Joueur de Luth (1595) est un tableau qui entraine sa gloire en arrivant à Rome. Les bouquets de fleurs et les natures mortes de fruits sont sa marque de fabrique (harmonie, peinture claire). 
Les scènes de genre banales et portraits informels font sa réputation. Peignant des grands formats, il permet à son œuvre d’être d’exposée et commentée, qui est une activité très à la mode des amateurs.
Le délinquant romain
Dans la cité papale, Caravage fréquente les tavernes en portant l’épée comme l’ancienne noblesse, prêt à dégainer pour défendre son honneur. Quand il ne peint pas, il cherche la bagarre et les scandales. Les délits et les crimes font partie de son quotidien. Il est arrêté par la police au moins 11 fois, il est aussi emprisonné plusieurs fois. Il est sauvé par ses généreux protecteurs hauts placés, grand princes de l’Eglise. Sa violence choque, mais son talent et son réalisme le rendent archi populaire. Décapitation, sang frais, rixes, homosexualité, Caravage faisait aussi poser les prostituées dans son atelier.
Le caravagisme, véritable révolution artistique
Durant sa vie à Rome, le style de peinture de Caravage évolue. Il révolutionne la peinture du XVII ème siècle. Son iconographie nouvelle présente des scènes sanglantes avec la technique du clair-obscur. Suite à son apport à cette technique, qui existait avant lui, les modelés des corps sont sublimés par les jeux d’ombre et de lumière.
À son époque l’électricité n’existe pas, et on s’éclaire à la bougie. Pour obtenir le jeu de clair-obscur, dans son atelier il bouche la lumière des fenêtres avec un rideau noir et au plafond, il fixe une tringle sur toute la longueur de la pièce pour faire glisser une lanterne.
Peintre de génie, il devient maître en la matière et vers 1600, il est à l’origine d’une véritable révolution picturale : le caravagisme, qui rayonnera dans toute l’Europe, et qui consiste à fondre deux éléments stylistiques ensembles directement sur la toile : le réalisme extrême et le clair-obscur.
À cette époque en Italie, on est friand d’observer l’expression des mouvements de l’âme.
Maîtrisant le ténébrisme, Caravage fait exactement l’inverse du maniérisme : il représente des sujets profanes, des personnages égorgés ou poignardés sur fond sombre, la réalité ténébreuse, souffrante et cruelle qu’il côtoie à Rome.
Son tableau Judith décapitant Holopherne (1598) constitue le premier grand chef d’œuvre caravagesque.
Cette violence dans sa peinture va faire sa réputation, jamais exprimée avant avec tant de crudité. C’est l’œuvre coup de poing de l’artiste virtuose qui a émergé. La qualité des expressions, l’équilibre de l’image, la scénographie théâtrale accentuée par le rideau rouge, le faciès horrifiant de la vieille servante. L’intensité dramatique est présente. 
L’Eglise
À cette époque, l’Eglise est la principale commanditaire des peintres et Caravage, comme tout peintre talentueux, travaille pour elle. Les cardinaux religieux sont des mécènes qui financent les peintres.
L’Italie est en pleine réforme catholique et veut combattre le protestantisme. L’Eglise a besoin d’images nouvelles, et Caravage propose une interprétation neuve des Saintes Ecritures.
Dans son tableau Le Jeune Saint Jean-Baptiste au Bélier (1602), Caravage peint en grandeur nature un jeune adolescent qui semble presque vouloir sortir du cadre. Le modèle pose à la manière des œuvres de Michel-Ange au Vatican, c’est une peinture savante avec un bélier, signe de virilité, tandis que les autres peintres n’ont pas cette audace : Bartolomeo Manfredi représente dans son tableau Saint Jean-Baptiste tenant un Mouton, un homme vêtu, à qui il donne une expression plutôt maladroite. 
La fuite
Pour le tableau La Mort de la Vierge (1601-1606) il utilise la dépouille d’Adriana, une prostituée noyée dans le Tibre. Elle était enceinte mais a préféré se donner la mort. Les commanditaires religieux du tableau ne supportent pas le réalisme de la défunte montrée dans sa banale humanité. À l’opposé de l’iconographie soulignant le sacré, Caravage indignent les commanditaires en représentant la vierge sous un aspect négligé, aux antipodes de son aspect glorieux, condamnant alors le tableau.
Le Souper à Emmaüs (1601) audace mélanger les époques avec le Christ et les pèlerins de l’époque antique tandis que les deux vieux serviteurs contemporains datant du XVIIème siècle. Audace de laisser la moitié du tableau vide. C’est le moment de la reconnaissance par les pèlerins du Christ comme étant le Christ au moment où il bénit le pain. Sauf que le Christ est mort trois jours avant, donc les pèlerins voient un fantôme ressuscité. Imbrication de différents univers dans une iconographie renouvelée par rapport au VXIème siècle.
Le tableau Ecce Homo (1605-1606) est très curieux : tandis que le Christ, à la figure très émouvante, est représenté en tenue antique, Ponce Pilate est présenté en un Allemand du XVIème siècle, en fait comme un protestant. C’est une iconographie libérée des codes, au service de l’émotion avec un jeune homme humilié les yeux baissés, c’est une audace picturale. En fait, il est aussi reproché à Caravage de désacraliser la peinture sacrée 
Entre 1602 et 1606 il est condamné pour coups et blessures, diffamation, injures publiques et tentative d’assassinat. En 1606, il tue un adversaire en duel ; est alors condamné à mort par contumace par le Pape et doit fuir Rome. Ses tableaux transpirent désormais la culpabilité.
Dans son tableau La Décollation de Saint Jean Baptiste (1608), la scène est brutale et cruelle, et Caravage signe avec la peinture représentant le sang qui gicle du cou de Saint-Jean Baptiste.
Dans son exil, en cavale, il est arrêté, emprisonné. Il réussit à s’évader et continue de peindre, marqué par la tristesse et les remords.
Le retour à la simplicité et au dépouillement
Caravage cherche alors à tout prix la grâce du Pape.
Son tableau Saint-Jérôme (1605-1606) est très représentatif de l’évolution vers le dépouillement. Caravage devient alors un peintre religieux, il élimine les détails et va à l’essentiel. Il recherche à exprimer l’émotion profonde de la foi, la foi des gens de son époque, la foi dans la Contre-Réforme. Dans le respect de l’iconographie, le crâne de la vanité, le manteau rouge du cardinal, Saint Jérôme est en train de traduire la Bible de l’hébreu au latin, lisant d’un côté et écrivant de l’autre. La vérité dans ce tableau est immédiatement palpable. 
Sur une de ses dernières toiles, il se représente en Goliath, assassiné par David.
Sur ce tableau, Caravage se représente en Goliath décapité. La tête coupée est un signe fort pour Caravage sachant que lui-même avait été condamné par contumace à avoir la tête tranchée. David regarde la tête de Goliath sans aucune haine.
C’est comme une supplique au Pape pour être gracié.
En 1609, Caravage parvient à savoir qu’il va être gracié. Il va remonter vers Rome, mais il meurt sur un port tout proche de Rome.
Il finira sa vie sur une plage, mourant d’une blessure mal soignée à seulement 39 ans. Il n’est jamais rentré à Rome et l’histoire se termine tragiquement sur cette plage. « C’est un paradoxe pour quelqu’un qui peint la nuit sombre, qui a toujours peint des histoires noires, de mourir sous cette lumière, sous le feu du soleil », dit Milo Manara, auteur de deux BD sur Caravage.
Contrairement à Raphael ou Michel-Ange qui sont intemporels,Caravage représente une époque de violence, d’incertitude et de malaise.
Le style de Caravage a immédiatement démodé tout ce qui se faisait avant. C’est un phénomène de mode.
Caravage reste avant tout un conteur, narrant des histoires avec des images. Il raconte sa vie dans ses tableaux.
Après sa mort en 1610, ses contemporains enterrent son œuvre. Nicolas Poussin dira que Caravage est venu pour « détruire la peinture ».
Ce n’est que des siècles plus tard que l’importance de Caravage dans l’histoire de l’art sera reconnue.
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